lunes, 20 de diciembre de 2010
martes, 14 de diciembre de 2010
PROYECTO CIRCO EN MECA LOS MIÉRCOLES
Los miércoles quedamos en MECA Mediterráneo Centro Artístico para ver el Proyecto Internacional PROYECTO CIRCO. Performances & Audiovisuales. Cuba. España y Suiza. Puedes acceder al portal del proyecto pinchando aquí
Plaza Bendicho 1, Almería
Tfno: +34 620938515
Programa Cuba
Dienteperro, Celia &Yunior
Horizonte, Jenny Brito
Invernadero, Reinier Quer
Cala exploratoria, Levi Orta
A mí todo el mundo de cuida, Adrián Melis
Si vis pacem para bellum, Reinier Nande
Estado ausente, Jeanette Chávez
Programa España
Rumba para Charlot. Fernando Baena
The Preacher. Angel García Roldán
Hipnosis y obsolescencia. Lena Peñate & Juan José Valencia
Atracción Magnética. Javier Camarasa
Si las paredes hablasen. rosa mesa
Corporate Armies. PSJM
Os rumorosos. Paula Noya
Programa Suizo
Rooftoop. Peter Aerschmann
Rise & Fall. Michael Spahr
El saludo. Adela Picón
Circus. Collectif_Fact
Light Steps. Mo Diener
Video poems. Quynh Don
Plaza Bendicho 1, Almería
Tfno: +34 620938515
Programa Cuba
Dienteperro, Celia &Yunior
Horizonte, Jenny Brito
Invernadero, Reinier Quer
Cala exploratoria, Levi Orta
A mí todo el mundo de cuida, Adrián Melis
Si vis pacem para bellum, Reinier Nande
Estado ausente, Jeanette Chávez
Programa España
Rumba para Charlot. Fernando Baena
The Preacher. Angel García Roldán
Hipnosis y obsolescencia. Lena Peñate & Juan José Valencia
Atracción Magnética. Javier Camarasa
Si las paredes hablasen. rosa mesa
Corporate Armies. PSJM
Os rumorosos. Paula Noya
Programa Suizo
Rooftoop. Peter Aerschmann
Rise & Fall. Michael Spahr
El saludo. Adela Picón
Circus. Collectif_Fact
Light Steps. Mo Diener
Video poems. Quynh Don
miércoles, 8 de diciembre de 2010
COMIENZA ARTE GIRA CITY
MECA Mediterráneo Centro Artístico inaugura ARTE GIRA CITY
Programa de exposiciones de Arte Contemporáneo, Video Sessions, Performances y Encuentros
Escuela de Arte de Almería
Del 13 de diciembre de 2010 al 14 de enero de 2011
ACTUACIONES MUSICALES ( DJ SESSION ) by ScalaMusic
ITINERARIO EXPOSITIVO
VIDEO SESSION ANDALUCÍA
PROYECTO CIRCO. CUBA, ESPAÑA, SUIZA
PERFORMANCE:
RUBÉN BARROSO presenta ALGUNA PARTE
SINOPSIS:
"Una tarde quedé mirando el vacío y me acordé de aquello que decía que a veces parece que no has llegado a ninguna parte pero que quién te dice que ninguna parte no sea en realidad alguna parte. Entonces decidí situarme en ninguna parte, con el convencimiento de que había llegado, por fin, a algún sitio.”
Casi un centenar de artistas exponen en 4 sedes expositivas
Imagen Portada: Diego Pérez Galindo. D 3
martes, 12 de octubre de 2010
BOYCOTT LIMIT EN MECA
BOYCOTT LIMIT DE JOSÉ LUIS LOZANO
INAUGURACIÓN, LUNES 18 DE OCTUBRE A LAS 20:00 H. Plaza Bendicho 1, Almería
INAUGURACIÓN, LUNES 18 DE OCTUBRE A LAS 20:00 H. Plaza Bendicho 1, Almería
Del 18 de octubre al 4 de noviembre de 2010
BOYCOTT LIMIT
Nuevos escenarios de la vigilancia en el Arte Contemporáneo.BOYCOTT LIMIT
"con el tiempo se borran límites tanto del espacio como de la memoria..."
Agar Ledo
En la muestra “Boycott Limit” se reúne una recopilación de trabajos fotográficos y documentales que comienzan a partir de la primavera del 2006. La serie compuesta por una serie de fotografías, donde se centra en documentar el difícil proceso de adaptación de una comunidad Rumana afincada en la ciudad de Motril y en el contexto de su trabajo en las labores de la agricultura bajo el plástico de los invernaderos. Se contempla un testimonio directo de cámara en mano con la realización de fotografías de prensa, fotografías en el más sentido pensamiento vouyerista, persecutorio, de espía indagador. Son fotografías en formato documental, que nos dan una información visual acerca del acontecimiento.
Es importante destacar el uso del blanco y negro como gesto político de respeto y como signo de neutralidad descriptiva. Las imágenes huyen de elementos efectistas y es sustituido por una mirada testimonial y verídica, ausente de color.
Rostros de otros tiempos que se envejecen tras la atenta mirada del espectador, de ojos agobiados por tristeza acumulada en tiempos difíciles y sonrisas infantiles que a su vez hacen aún más marginal y más cruel su desgarradora imagen. Fotografías que no necesitan de un título, ellas tienen la capacidad de expresarse por sí mismas. Solo importa el año en el que fueron realizadas, pues es un acercamiento atrás en el tiempo comparable a la España que dejó tras de sí la Guerra Civil Española, el momento gris de su historia.
Son todas las retratadas personas igualadas por su tragedia y ennoblecidas en su condición humana.
Este testimonio visual de la clase trabajadora Rumana es la columna vertebral de la muestra. Imágenes dignificadas, encuadres equilibrados hacen del retratado un personaje digno, y a su vez nos ofrece el lado más humano de la fotografía. El espacio impone condiciones, pero ya no importa, un cúmulo de cajas embaladas y amontonadas aplasta la sala, llevando al espectador al agobio absoluto, que ausente se pasea por una maraña de información que se derrama por el espacio para trasladarlos al lugar de representación.
El amontonamiento de las cajas funciona a modo de instalación. La muestra la completa un vídeo documental cómplice de la mirada del fotógrafo espía, es un testimonio que nos habla de la situación a ambos lados de las fronteras territoriales Rumania-España, comparaciones, diferencias.
La exposición combina Instalación, documentos fotográficos, vídeo documental, en definitiva una Documenta en la ciudad de Almería que se hace partícipe de las tendencias artísticas actuales.
José Luis Lozano
ESTE LUGAR
No, la cámara y el objetivo que aquí se utilizan no se pueden mejorar en el mercado de los últimos avances tecnológicos, aunque esperemos ansiosos las novedades durante años.
El mercado no va a seguir siendo la solución para todo. Aunque podrían continuar su evolución paranoica las ametralladoras de captar imágenes, los ilimitados cañones de vigilancia masiva, los monitores donde contemplar la irrealidad, otro tipo de cámaras sin automatismos y de objetivos sin lentes nos serán necesarios para dejar de asistir pasivamente a un inasumible discurrir de la vida que se nos presenta como irrevocable.
Desde los comulgatorios de los panes y los vinos del olvido ya no nos van a servir los mismos dioses que enardecen las diferencias y obvian los cuerpos bajo el oleaje de los consecutivos mares: oscuridad sin retorno bajo el peso inseparable del color de una piel. Bajo el sol agigantado por cada partícula de plástico. Bajo la vengativa marea del cielo blanco de los más blancos.
Bendice señor estos alimentos que robaste con nosotros...
Este lugar, a modo de santuario quisiera ser un refugio levantado con los tejidos de unas primeras tierras. Un refugio, a pesar de todo, entre arenas movedizas y embates de olas: un refugio proyectado por el deseo, sobre brumas que pasan o se quedan por dentro. Paredes quizá de nada construidas como signos. Proyecciones de luz que gritan el lenguaje de esos signos para quien no los puede oír. Salas de espejos fantasmagóricos para quien no soporta más su propia imagen que le habla en términos y razones que ya no entiende.
En otro tiempo al comer los alimentos de la tierra se creía que de alguna manera éstos transferían también parte de una memoria. Hoy la esclavitud del siglo XXI se hacina entre límites indeterminados o casi secretos como ya lo hiciera en el vientre y los remos de los galeones y en los primeros campos que reconstruían la triste historia de nuestra dignidad y nuestra riqueza.
Todas estas cajas de plástico que ahora delimitan otro nuevo mundo son un fragmento de esa extensión ilimitada, de membranas, desde las que se te dicta y se te espía: las puedes adornar con amuletos y abalorios, con fotografías de lo que más crees querer, con fetiches o acumulaciones. Puedes ofrecerte en sacrificio en los reality show, cerrar los ojos y no quererlos abrir: hagas lo que hagas no todo será igual, ni el dolor, ni las soledades, ni los vacíos, ni los recursos de reparación.
Este lugar sabe que no son necesarios refugios sino atalayas desde donde contemplar que no existe un único cosmos, aunque pueda parecerlo desde cada rincón de la residualidad. O desde la omnipotencia que es la realidad de quien cree estar más allá de lo humano.
Desde la deriva en unos u otros mares, en unas u otras simas de normalidad cada cielo es un artificio que abre a otro, que abre a otro, aunque ruja y mate o sostenga en el justo aliento de la producción y la reproducción.
Desde la deriva en “El Sistema” anhelar como futuro que todo siga igual sería el principal síntoma de que una era o una vida se extinguen.
Y las sirenas del sistema nos cantan, incesantes, a manera de nana, que todo va a seguir igual. Aunque ya no pensemos en atarnos a mástiles de barcos sino en sumergirnos en la metáfora del caballo de Troya y desde nuestra insignificancia ¿Invadir? ¿Desestabilizar? ¿Abatir?
¿Hacia donde? El gran éxito de los generales de esta nueva guerra, contra lo disparatado y obsceno de las florecientes economías, es que nos convirtieron a nosotros mismos, sus ensimismados soldados, en el real enemigo de cuanto a ellos pudiera amenazar.
¿De qué seremos los nuevos reporteros?
¿Ante que nuevo glamour nos abalanzaremos como hambrientos paparazzis?
¿Coleccionaremos instantáneas de la desigualdad y la desgracia para mitigar algún rastro de culpa?
¿Nos arriesgaremos alguna vez a abandonar el viaje organizado, más allá de nuestras cristianas fronteras?
¿Superaremos el ataque de pánico, ante la fantasía -cosida en nuestra carne- de que en la oscuridad de los desposeídos, nuestro doble caníbal, espera desde siglos la oportunidad de devorarnos?
Alfonso Masó Guerri
Profesor Facultad Bellas Artes Granada
CRÉDITOS
TÍTULO
BOYCOTT LIMIT
ARTISTA
JOSÉ LUIS LOZANO
MODALIDADINSTALACIÓN Y VIDEO ARTE
DIRECCIÓN Y COMISARIADO
FERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZ
DISEÑOrb producciones
LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
INAUGURACIÓNLunes 18 de octubre de 2010, a las 20:00 h.
DURACIÓNDel 18 de octubre al 4 de noviembre de 2010
viernes, 18 de junio de 2010
LA GENIALIDAD DE SARAMAGO NO HA DESAPARECIDO
Hoy nos sentimos enormente tristes por el fallecimiento de un gran hombre, un gran escritor y un gran humanista, José Saramago, pero nos queda el consuelo, la satisfacción y el orgullo de que su obra magistral siempre vivirá.
En contra de lo que él decía "Pienso que todos estamos ciegos. Somos ciegos que pueden ver, pero que no miran": MECA siempre te ha mirado y te mirará con una gran admiración.
Siempre en el recuerdo vivo.
jueves, 10 de junio de 2010
FERNANDO BARRIONUEVO EN LA EXPOSICIÓN DE LOS 80
INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN LOS 80
Escuela de Artes de Almería. Viernes 11 de junio a las 20:30
Fernando Barrionuevo participa en la Exposición " Los 80" con dos obras, una de 1980 "Apple and Water" y otra de 2010 " todossomostododeespaldasalarealidad"
Siempre he entendido que la organización, la promoción y la difusión de la actividad cultural en todas las facetas de la creación contemporánea, abogando por la libre expresión artística y la necesidad de implicar a la sociedad en el hecho cultural debería ser una inquietud inherente a la persona como ente social. Concibo al ser humano como una entidad plural, social pero independiente, curioso por naturaleza y contestatario por aprendizaje, reaccionario ante las parálisis provocadas por los elencos que se autoproclaman representantes de todos.
La toma de la razón me fue cargando de una percepción de la realidad que tenía que transformarse primero, evolucionar después y mejorar continuamente. Era necesario un espacio diferente hasta entonces, un espacio de libertad para la cultura. Ese espacio aperturista, renovador y colaborador, debía servir de empuje y aliento para los artistas que en aquel entonces ya estábamos trabajando pero que teníamos una sensación continua de asfixia casi desafiante. Surge entonces de manera sinérgica y “original” un movimiento de intercambio de ideas, de producción artística, de cultura en definitiva, conocido ya por todos como Los 80.
La sociedad tomó inconscientemente y casi por inercia conciencia de su presencia urbana de manera integral. El arte hace entrada con mayúsculas en su expresión más creativa y se entremezcla con la sociedad. Surge en España entonces el ARTE SOCIAL que no societario y las mal llamadas periferias (término que sigue perdurando en la actualidad) se apoderan de su verdadera esencia de fuerza centrípeta jugando a ser un todo casi universal. Almería no se privó de este efecto. Es más fue un lazo de unión de voluntades, en el que todos los que intervenimos nos anudamos. Es cierto que unos más que otros, también es de rigor establecer que en esta exposición no están todos los que son… Sin embargo y aún a pesar de gritos, despechos y lamentos silenciosos, Almería supo establecerse en la contemporaneidad, supo desenvolverse en un campo cultural que partiendo de un abismo árido vacío y uniforme pasó a ser una explosión de luz, esperanza, hechos y vida y es así como comienza entonces una nueva etapa social, política, económica y principalmente cultural, como sentido esencial de las tres anteriores. Almería pasa de ser tierra a ser territorio, de ser azul a ser agua, de ser luminosa a irradiar luz, de ser árbol a ser manzana. Almería toma conciencia en sí misma de ciudadanía.
Lo internacional no era distante en aquel período. De hecho algunos pudimos vivirlo intensamente e importar esa esencia de experiencias y conocimientos para compartirlos con todos los que quisieran o estuvieran dispuestos a albergar esas anotaciones no tanto para mí curriculares como experimentales. Claro que no todo el color resplandecía.
La experiencia cultural mal digerida si te aborda de lleno te puede ensombrecer, si no apaciguas las graves distancias que suponen los cambios no concebidos y la importancia de la historia, de las historias personales, los hechos pueden quedar desmantelados. En estos momentos siento que todos somos todo de espaldas a la realidad.
Fernando Barrionuevo
Artista
La toma de la razón me fue cargando de una percepción de la realidad que tenía que transformarse primero, evolucionar después y mejorar continuamente. Era necesario un espacio diferente hasta entonces, un espacio de libertad para la cultura. Ese espacio aperturista, renovador y colaborador, debía servir de empuje y aliento para los artistas que en aquel entonces ya estábamos trabajando pero que teníamos una sensación continua de asfixia casi desafiante. Surge entonces de manera sinérgica y “original” un movimiento de intercambio de ideas, de producción artística, de cultura en definitiva, conocido ya por todos como Los 80.
La sociedad tomó inconscientemente y casi por inercia conciencia de su presencia urbana de manera integral. El arte hace entrada con mayúsculas en su expresión más creativa y se entremezcla con la sociedad. Surge en España entonces el ARTE SOCIAL que no societario y las mal llamadas periferias (término que sigue perdurando en la actualidad) se apoderan de su verdadera esencia de fuerza centrípeta jugando a ser un todo casi universal. Almería no se privó de este efecto. Es más fue un lazo de unión de voluntades, en el que todos los que intervenimos nos anudamos. Es cierto que unos más que otros, también es de rigor establecer que en esta exposición no están todos los que son… Sin embargo y aún a pesar de gritos, despechos y lamentos silenciosos, Almería supo establecerse en la contemporaneidad, supo desenvolverse en un campo cultural que partiendo de un abismo árido vacío y uniforme pasó a ser una explosión de luz, esperanza, hechos y vida y es así como comienza entonces una nueva etapa social, política, económica y principalmente cultural, como sentido esencial de las tres anteriores. Almería pasa de ser tierra a ser territorio, de ser azul a ser agua, de ser luminosa a irradiar luz, de ser árbol a ser manzana. Almería toma conciencia en sí misma de ciudadanía.
Lo internacional no era distante en aquel período. De hecho algunos pudimos vivirlo intensamente e importar esa esencia de experiencias y conocimientos para compartirlos con todos los que quisieran o estuvieran dispuestos a albergar esas anotaciones no tanto para mí curriculares como experimentales. Claro que no todo el color resplandecía.
La experiencia cultural mal digerida si te aborda de lleno te puede ensombrecer, si no apaciguas las graves distancias que suponen los cambios no concebidos y la importancia de la historia, de las historias personales, los hechos pueden quedar desmantelados. En estos momentos siento que todos somos todo de espaldas a la realidad.
Fernando Barrionuevo
Artista
lunes, 7 de junio de 2010
EXPOSICIÓN EN MECA DE PEPA SATUÉ
ESPUMA DE LOS DÍAS Y DE LAS NOCHES
ARTISTA: PEPA SATUÉ
INAUGURACIÓN, VIERNES 18 DE JUNIO A LAS 20:00 H.
MECA. Plaza Bendicho 1, Almería
Del 18 de junio al 7 de julio de 2010
CUANDO QUIERA MIRAR. F. Alonso
Cuando quiera mirar
los sueños y sus ecos
miraré los cuadros de Pepa Satué.
(Y ya quiero).
Los espacios propuestos en la obra de Pepa Satué me inclinan o me llevan a ser un sabio y un ignorante alternativamente. Y a otras cosas, a sorprendentes sensaciones inefables.
Desde la perspectiva de un cualquiera que poco sabe, los infinitos placeres del sentir, del notar, del mirar-mirar viendo, del ejercitar el tacto tal vez prohibido, imaginando incluso aspectos desconocidos o misteriosos de lo real, son experiencias que, sin esperar, recibe ante su obra.
Es dinámica. La autora te invita a levantarte de la silla, a mirar desde otro lado, a dar la vuelta al cuadro, a girarte tú mismo; es sencilla y es oculta.
¿Qué he visto? me pregunto.
No hay nada que explicar. O eso creo.
A las arenas de las playas, al inaprensible cosmos, a los espacios que he soñado algún día y que viví en alguna vida, al lazo que llevaba mi tía en algunas fiestas me recuerdan a ratos estos cuadros.
Es de agradecer que el norte y el sur se hayan perdido.
Pero no hay nada que decir. No puedo explicar nada. No puedo explicar los gritos de sus composiciones y sus trazos.
Las armas que utiliza son: vivencia, abstracción, geometría, reconsideración de los espacios, diseño de las relaciones, evolución de las formas, kjñdfkljhñdfjhhsdfkñjh……. … raspados (kjghghg), líneas y sus etcéteras……….
La concreción: acrílicos, grafito, xilografías, papeles….
Verbo soñar, mas sin dormir.
Verbo sentir, mas sin pensar.
Verbo componer, sin categorizar.
Quizá la geometría es una de las claves del universo.
ARTISTA: PEPA SATUÉ
INAUGURACIÓN, VIERNES 18 DE JUNIO A LAS 20:00 H.
MECA. Plaza Bendicho 1, Almería
Del 18 de junio al 7 de julio de 2010
CUANDO QUIERA MIRAR. F. Alonso
Cuando quiera mirar
los sueños y sus ecos
miraré los cuadros de Pepa Satué.
(Y ya quiero).
Los espacios propuestos en la obra de Pepa Satué me inclinan o me llevan a ser un sabio y un ignorante alternativamente. Y a otras cosas, a sorprendentes sensaciones inefables.
Desde la perspectiva de un cualquiera que poco sabe, los infinitos placeres del sentir, del notar, del mirar-mirar viendo, del ejercitar el tacto tal vez prohibido, imaginando incluso aspectos desconocidos o misteriosos de lo real, son experiencias que, sin esperar, recibe ante su obra.
Es dinámica. La autora te invita a levantarte de la silla, a mirar desde otro lado, a dar la vuelta al cuadro, a girarte tú mismo; es sencilla y es oculta.
¿Qué he visto? me pregunto.
No hay nada que explicar. O eso creo.
A las arenas de las playas, al inaprensible cosmos, a los espacios que he soñado algún día y que viví en alguna vida, al lazo que llevaba mi tía en algunas fiestas me recuerdan a ratos estos cuadros.
Es de agradecer que el norte y el sur se hayan perdido.
Pero no hay nada que decir. No puedo explicar nada. No puedo explicar los gritos de sus composiciones y sus trazos.
Las armas que utiliza son: vivencia, abstracción, geometría, reconsideración de los espacios, diseño de las relaciones, evolución de las formas, kjñdfkljhñdfjhhsdfkñjh……. … raspados (kjghghg), líneas y sus etcéteras……….
La concreción: acrílicos, grafito, xilografías, papeles….
Verbo soñar, mas sin dormir.
Verbo sentir, mas sin pensar.
Verbo componer, sin categorizar.
Quizá la geometría es una de las claves del universo.
Quizá lleguemos a saber lo que sobra o lo que falta.
Pepa Satué toca en su obra aspectos viscerales, banales, no lo sé.
Pero es bella. Ella es.
Como un monje, o más bien como monja retirada del convento al cenobio, Pepa trabaja;
y Pepa da,
y Pepa sabe y sale. Y sabe lo que dice.
Y vos lo podés ver
(que diría un argentino)
Y hasta mirarlo; disfrutando
Pepa Satué toca en su obra aspectos viscerales, banales, no lo sé.
Pero es bella. Ella es.
Como un monje, o más bien como monja retirada del convento al cenobio, Pepa trabaja;
y Pepa da,
y Pepa sabe y sale. Y sabe lo que dice.
Y vos lo podés ver
(que diría un argentino)
Y hasta mirarlo; disfrutando
ESPUMA DE LOS DÍAS Y DE LAS NOCHES. Pepa Satué
Cierro los ojos y veo líneas, ritmos. Siento en mis manos la textura suave del papel, me dejo arañar por los bucles de níquel. Palpo. La geometría, lejos de contenerme, me lanza al espacio, organiza los caminos a seguir, me indica cómo moverme, hace de ventana para capturar un pequeño trozo de universo, tan caótico y desestructurado como la vida. Pero ese mismo caos, al delimitarlo, comienza a mostrar un cierto orden, invita a buscar pautas, se hace más aprensible.
Me debato entre la geometría y el azar, entre la consistencia de las formas rotundas y la fragilidad y liviandad de los materiales.
Busco uniones imposibles: opongo la finura del papel a la aspereza del níquel, la calidez de las vetas de la madera a la frialdad de la geometría.
Creo esculturas que sólo canalizan el aire, carentes de un volumen real. Frente a los materiales tradicionalmente considerados como propios de este arte, elijo la delicadeza del papel, unido a las tensiones producidas por las nanas. Su arbitrariedad queda moderada por formas regulares: cuadrados y triángulos.
Concilio el día con la noche, la luz con las tinieblas y, al modo de una sacerdotisa, me extasío en ellas.
ACERCA DEL TÍTULO
Me preguntaba un amigo por qué había elegido ESPUMA DE LOS DÍAS Y DE LAS NOCHES como título y, en realidad, no lo elegí yo, él vino a mí. Vino como un eco de Boris Vian[1], vino como una variación de “escarcha de mis días y de tus noches” y no fue hasta que ya lo había asumido como título, cuando caí en la cuenta de que ese verso pertenecía precisamente a “Las nanas de la cebolla”. Las nanas, ese elemento tan fundamental en una parte de mi obra.
Sí, ya sé que se trata de nanas distintas: las de Hernández duermen a los niños mientras que las mías están destinadas a arañar cacerolas. Sin embargo, han sido redimidas de ese destino y ahora intentan despertar nuestros sentidos. Sueño y vigilia. Nos ofrecen una mezcla de fragilidad y dureza, nos invitan a tocarlas con su envoltura de papel, nos hablan de suavidad, nos muestran un mundo de contradicciones.
Y ese es, en cierto modo, mi interés. Simultanear la luz con la oscuridad, el blanco con el negro, la geometría y las formas aleatorias.
Y ¿por qué espuma?
Esa fugacidad, esa cualidad de inaprensible hacen de la espuma algo mágico a la vez que la convierten en metáfora de todo aquello que se nos escapa de las manos.
Si intentamos definir el arte, vemos que no encontramos palabras. Toda nuestra cultura se queda escasa para poder decir qué es arte y qué no. Podemos tener un pálpito, podemos sentir que nos encontramos ante algo extraordinario, pero en el momento en que queremos racionalizarlo, en el momento en que intentamos esgrimir argumentos que demuestren lo acertado de nuestra opinión, todo se desvanece y, en nuestras manos sólo queda el rastro que dejó la espuma. Y si persistimos en nuestro afán definitorio, al final la única sentencia que parece viable, es aquella de Dino Formaggio de que “arte es todo aquello que los hombres llaman arte”.
Sólo nos queda, como en el arte del galanteo, la fase de aproximación, de ronda, de contínuos avances y retrocesos, del gusto por mirar y del embeleso.
[1] Por su libro Espuma de los días
FICHA TÉCNICA
TÍTULO
ESPUMA DE LOS DÍAS Y DE LAS NOCHES
ARTISTA
PEPA SATUÉ
MODALIDAD
PINTURA Y ESCULTURA
DIRECCIÓN Y COMISARIADO
FERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZ
DISEÑO
rb producciones
LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
INAUGURACIÓN
Viernes 18 de junio de 2010, a las 20:00 h.
DURACIÓN
Del 18 de junio al 7 de julio de 2010
COLABORA
FUNDACIÓN UNICAJA
miércoles, 5 de mayo de 2010
PRÓXIMA EXPOSICIÓN EN MECA DE LOLA BERENGUER
EXPOSICIÓN EN MECA MEDITERRÁNEO CENTRO ARTÍSTICO
LA LÍNEA QUE NOS UNE
LA LÍNEA QUE NOS UNE
LOLA BERENGUER
INAUGURACIÓN, VIERNES 14 DE MAYO DE 2010, 20:00 H.
Plaza Bendicho 1, Almería
Del viernes 14 de mayo al 3 de junio de 2010
Persisten en mí el afán de crear, la libertad de hacer y las ganas de encontrar lo bello, lo esencial. Me impongo gustosa una disciplina de trabajo, porque ello me conduce a una estabilidad que anhelo.
La acción de Pintar es inherente al ejercicio de reflexión. Me resulta complicado explicar todas mis influencias, intelectualizar mi modo de hacer. Mi reflexión se apoya en las ganas de experimentar, en la perseverancia, en el oficio, en la seguridad de querer expresarme a través de un lenguaje determinado.
El Arte está en cualquier lugar y es accesible. La capacidad de sorprenderme ante el trabajo de artistas que me interesan me motiva a sentir inquietud por entender la información que recibo. Siento que puedo comprender mejor el hecho artístico, me siento más receptiva y preparada para poder hacer lecturas adecuadas de lo que observo.
La Belleza está en lo sencillo, en aquello que atrae nuestros sentidos, en lo que nos emociona. Está también en una superficie que nos apetece tocar, en apreciar la profundidad de un color, en la sutileza y el mimo con el que se trata un material.
En los últimos años me siento sensibilizada por las tendencias históricas de la Abstracción Geométrica. Busco referencias para “creerme”, para afirmarme en mi modo de expresarme, pero no para etiquetar mi trabajo.
Llevo tiempo interesándome por el lenguaje geométrico. Me gusta experimentarlo libre e intuitivamente. No es una geometría racional, dejo que afloren los impulsos.
Comparto con los fundamentos minimalistas la búsqueda de la depuración formal. Creo que hay que huir del exceso de recursos.
Los elementos, formas y motivos de mis obras han ido cambiando a lo largo de mi trayectoria. La línea es ahora el elemento protagonista.
La línea construye y articula espacios. Múltiples direcciones buscan equilibrarse compositivamente, huyendo de las jerarquías y generando diferentes percepciones.
En un principio dominaba en mi obra la verticalidad (serie Tirela). El trabajo ha evolucionado hacia una arquitectura interior no siempre serena: utilizo las formas geométricas y ángulos intencionadamente desviados para crear inquietud y tensión.
Conviven composiciones de líneas rectas con imágenes fragmentadas de formas geométricas planas.
Las líneas sugieren recorridos. Se expanden fuera de los límites de la superficie del cuadro y vuelven, y nos sugieren nuevas direcciones. Estas líneas rectas, a veces se detienen para encontrarse casi rozando con otras. Algunas se quiebran, como segmentándose.
En algunas obras el espacio central del cuadro está vacío, tiendo a desplazar la composición hacia los márgenes.
Las diferentes posibilidades de asociación me sitúan en constantes reflexiones, hay que decidir qué hacer, cómo continuar o cuándo parar. Me sacude entonces la idea de lo múltiple como elemento generador de soluciones.
Creo en el trabajo diario, en la constancia y en las rutinas del taller.
Después de observar con actitud crítica las obras en las que estoy trabajando decido si he de descartar, corregir o asumir lo ya conseguido. Mis cuadros permanecen inacabados un tiempo, les hago descansar. Necesitan ser observados. En ocasiones, abandono y los olvido y en otros, descubro que contactan con algo nuevo y son rescatados. En esta convivencia provocan mi atención las relaciones e influencias fortuitas, los hallazgos imprevistos que, a veces, juego a propiciar. Me resulta emocionante el momento del descubrimiento. Es un misterio porque unas cosas me atraen y me atrapan. Nunca se sabe cuando ocurrirá el acierto, y es muy difícil encontrarlo. Por ello sigo pintando, sigo trabajando.Lola Berenguer.
Artista
La acción de Pintar es inherente al ejercicio de reflexión. Me resulta complicado explicar todas mis influencias, intelectualizar mi modo de hacer. Mi reflexión se apoya en las ganas de experimentar, en la perseverancia, en el oficio, en la seguridad de querer expresarme a través de un lenguaje determinado.
El Arte está en cualquier lugar y es accesible. La capacidad de sorprenderme ante el trabajo de artistas que me interesan me motiva a sentir inquietud por entender la información que recibo. Siento que puedo comprender mejor el hecho artístico, me siento más receptiva y preparada para poder hacer lecturas adecuadas de lo que observo.
La Belleza está en lo sencillo, en aquello que atrae nuestros sentidos, en lo que nos emociona. Está también en una superficie que nos apetece tocar, en apreciar la profundidad de un color, en la sutileza y el mimo con el que se trata un material.
En los últimos años me siento sensibilizada por las tendencias históricas de la Abstracción Geométrica. Busco referencias para “creerme”, para afirmarme en mi modo de expresarme, pero no para etiquetar mi trabajo.
Llevo tiempo interesándome por el lenguaje geométrico. Me gusta experimentarlo libre e intuitivamente. No es una geometría racional, dejo que afloren los impulsos.
Comparto con los fundamentos minimalistas la búsqueda de la depuración formal. Creo que hay que huir del exceso de recursos.
Los elementos, formas y motivos de mis obras han ido cambiando a lo largo de mi trayectoria. La línea es ahora el elemento protagonista.
La línea construye y articula espacios. Múltiples direcciones buscan equilibrarse compositivamente, huyendo de las jerarquías y generando diferentes percepciones.
En un principio dominaba en mi obra la verticalidad (serie Tirela). El trabajo ha evolucionado hacia una arquitectura interior no siempre serena: utilizo las formas geométricas y ángulos intencionadamente desviados para crear inquietud y tensión.
Conviven composiciones de líneas rectas con imágenes fragmentadas de formas geométricas planas.
Las líneas sugieren recorridos. Se expanden fuera de los límites de la superficie del cuadro y vuelven, y nos sugieren nuevas direcciones. Estas líneas rectas, a veces se detienen para encontrarse casi rozando con otras. Algunas se quiebran, como segmentándose.
En algunas obras el espacio central del cuadro está vacío, tiendo a desplazar la composición hacia los márgenes.
Las diferentes posibilidades de asociación me sitúan en constantes reflexiones, hay que decidir qué hacer, cómo continuar o cuándo parar. Me sacude entonces la idea de lo múltiple como elemento generador de soluciones.
Creo en el trabajo diario, en la constancia y en las rutinas del taller.
Después de observar con actitud crítica las obras en las que estoy trabajando decido si he de descartar, corregir o asumir lo ya conseguido. Mis cuadros permanecen inacabados un tiempo, les hago descansar. Necesitan ser observados. En ocasiones, abandono y los olvido y en otros, descubro que contactan con algo nuevo y son rescatados. En esta convivencia provocan mi atención las relaciones e influencias fortuitas, los hallazgos imprevistos que, a veces, juego a propiciar. Me resulta emocionante el momento del descubrimiento. Es un misterio porque unas cosas me atraen y me atrapan. Nunca se sabe cuando ocurrirá el acierto, y es muy difícil encontrarlo. Por ello sigo pintando, sigo trabajando.Lola Berenguer.
Artista
FICHA TÉCNICA
TÍTULO
LA LÍNEA QUE NOS UNE
ARTISTA
LOL BERENGUER
MODALIDAD
PINTURA
DIRECCIÓN Y COMISARIADO
FERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZ
DISEÑO
rb producciones
LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
INAUGURACIÓN
Viernes 14 de mayo de 2010, a las 20:00 h.
DURACIÓN
Del 14 de mayo al 3 de junio de 2010
COLABORA
FUNDACIÓN UNICAJA
lunes, 12 de abril de 2010
EXPOSICIÓN DE ANTONIO DE DIEGO ARIAS EN MECA
ANTONIO DE DIEGO ARIAS
INAUGURACIÓN, VIERNES 16 DE ABRIL DE 2010MECA, Mediterráneo Centro Artístico
FUERA DE COBERTURA
INAUGURACIÓN, VIERNES 16 DE ABRIL DE 2010MECA, Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, Almería
FUERA DE COBERTURA
No soy crítico de arte, soy historiador y como tal y a diferencia de los profesionales del juicio artístico, no poseo el conocimiento ni, por tanto, la preparación suficiente para situar al autor y su obra dentro de corrientes formales o estéticas, evoluciones, semejanzas, diferencias o aprendizajes de escuelas o de otros autores. Por otro lado, tengo la sensación de que todo esto a Antonio le trae bastante sin cuidado porque su obra –un profundo trabajo de investigación- va mucho más allá.
Prisionero de mi profesión, les voy a contar una breve historia: la historia que cuenta Antonio, ahora, la que contemplan en MECA, que es la misma historia en la que viene buceando, interpretando, desde hace más de veinte años, que es el hilo conductor y da plena coherencia a su trabajo por encima de la técnica, los materiales y los soportes que utilice. Antonio basa toda su obra en el discurso, busca en todo momento comunicar para gritar -comenzando por dar un sopapo sonoro al espectador con la utilización de colores y materiales contundentes- que el mundo es comunicación, que la vida es comunicación, que la historia se resume en el complejo transcurrir y entretejer humano de encuentros y desencuentros.
C’era una volta..., Once upon a time..., Il était une fois, así nos llama la atención Antonio sobre su obra, como desde la noche de los tiempos se ha comunicado el ser humano y a partir de cuyo enunciado todo el mundo guardaba silencio, érase una vez... el hombre asombrado por su entorno quien, muy probablemente, antes de empezar a poner nombres a las cosas ya había dibujado aquella bola de fuego que sabía en qué modo determinaba su existencia, y pintó una espiral, el símbolo del poder máximo, del principio y fin de la vida; y cuando pasó el tiempo y la espiral llegó al Mediterráneo se convirtió en el laberinto, el desconocido, peligroso e intrincado camino (que no es otra cosa que el recorrido vital) que debe seguir el ser humano para obtener el conocimiento. Y como el hombre necesitaba comunicar a otros hombres sus habilidades, sus triunfos derrotando minotauros, sus inquietudes, sus miedos y sus relaciones con lo divino, buscó crear un lenguaje común que diera existencia a una comunidad de hombres muy diversos entre sí, y entonces los fenicios inventaron el abecedario y lo hicieron primero mediterráneo y comercial y religioso. Con él se quedaron los griegos que lo pasearon por el mundo conocido haciendo pensar a todo hombre que se asomaba a las orillas del Mar Blanco, como llamaron los turcos al Mediterráneo recogiendo la vieja tradición china para denominar los puntos cardinales. Pero sólo con Roma se consigue crear un lenguaje universal de comunicación: Norte, Sur, Este y Oeste se ven unidos por innumerables líneas de enlace, como infinitas calzadas que a modo de cuerdas se entrelazan formando uniones, complicidades, puntos de encuentro. Resulta paradójico que aquel hombre que sentía pánico y respeto al mirar al cielo, que se sintiera un día tan sólo, haya sido capaz de crear muchas redes de comunicación, tantas formas de diálogo y de contacto que puede llegar a constituir islas de soledad, mundos aparte, que convierte las redes en verjas degenerando en auténticos muros de incomprensión.
El Antonio de Diego mesetario se hizo Mediterráneo a fuerza de absorber y comprender el sentido profundo del ser romano, pero añadió a ello la pasión de lo andaluz cuando arrastrado por el fatum del amor se subió -otra vez- a una colina de Almería para dialogar en el desierto con otros hombres y mirar muy despacio al cielo buscando lazos, espirales, huellas, materiales, cuerdas y nudos...
Antonio genera su propia moraleja: una metáfora de la vida, de muchas vidas, de nuestras propias vidas, cuando las ganas de comunicar, de decir, de buscar, de encontrar y tener al otro, nos sorprenden tantas veces en mundos aparte, como metidos en cajas y cerrados con llave, tontamente fuera de cobertura.
Fernando García Sanz. Historiador
Prisionero de mi profesión, les voy a contar una breve historia: la historia que cuenta Antonio, ahora, la que contemplan en MECA, que es la misma historia en la que viene buceando, interpretando, desde hace más de veinte años, que es el hilo conductor y da plena coherencia a su trabajo por encima de la técnica, los materiales y los soportes que utilice. Antonio basa toda su obra en el discurso, busca en todo momento comunicar para gritar -comenzando por dar un sopapo sonoro al espectador con la utilización de colores y materiales contundentes- que el mundo es comunicación, que la vida es comunicación, que la historia se resume en el complejo transcurrir y entretejer humano de encuentros y desencuentros.
C’era una volta..., Once upon a time..., Il était une fois, así nos llama la atención Antonio sobre su obra, como desde la noche de los tiempos se ha comunicado el ser humano y a partir de cuyo enunciado todo el mundo guardaba silencio, érase una vez... el hombre asombrado por su entorno quien, muy probablemente, antes de empezar a poner nombres a las cosas ya había dibujado aquella bola de fuego que sabía en qué modo determinaba su existencia, y pintó una espiral, el símbolo del poder máximo, del principio y fin de la vida; y cuando pasó el tiempo y la espiral llegó al Mediterráneo se convirtió en el laberinto, el desconocido, peligroso e intrincado camino (que no es otra cosa que el recorrido vital) que debe seguir el ser humano para obtener el conocimiento. Y como el hombre necesitaba comunicar a otros hombres sus habilidades, sus triunfos derrotando minotauros, sus inquietudes, sus miedos y sus relaciones con lo divino, buscó crear un lenguaje común que diera existencia a una comunidad de hombres muy diversos entre sí, y entonces los fenicios inventaron el abecedario y lo hicieron primero mediterráneo y comercial y religioso. Con él se quedaron los griegos que lo pasearon por el mundo conocido haciendo pensar a todo hombre que se asomaba a las orillas del Mar Blanco, como llamaron los turcos al Mediterráneo recogiendo la vieja tradición china para denominar los puntos cardinales. Pero sólo con Roma se consigue crear un lenguaje universal de comunicación: Norte, Sur, Este y Oeste se ven unidos por innumerables líneas de enlace, como infinitas calzadas que a modo de cuerdas se entrelazan formando uniones, complicidades, puntos de encuentro. Resulta paradójico que aquel hombre que sentía pánico y respeto al mirar al cielo, que se sintiera un día tan sólo, haya sido capaz de crear muchas redes de comunicación, tantas formas de diálogo y de contacto que puede llegar a constituir islas de soledad, mundos aparte, que convierte las redes en verjas degenerando en auténticos muros de incomprensión.
El Antonio de Diego mesetario se hizo Mediterráneo a fuerza de absorber y comprender el sentido profundo del ser romano, pero añadió a ello la pasión de lo andaluz cuando arrastrado por el fatum del amor se subió -otra vez- a una colina de Almería para dialogar en el desierto con otros hombres y mirar muy despacio al cielo buscando lazos, espirales, huellas, materiales, cuerdas y nudos...
Antonio genera su propia moraleja: una metáfora de la vida, de muchas vidas, de nuestras propias vidas, cuando las ganas de comunicar, de decir, de buscar, de encontrar y tener al otro, nos sorprenden tantas veces en mundos aparte, como metidos en cajas y cerrados con llave, tontamente fuera de cobertura.
Fernando García Sanz. Historiador
Espacios de libertad, espacios de reclusión: inflexión, disolución, devenir, transitar de búsquedas, encuentros, deseos, ausencias.
...un punto de contacto, una llave, una posibilidad, una dialéctica dentro fuera en donde esencia y existencia son llamadas como el “ eco “ de una campana en la inmensidad del espacio- tiempo. Transitar, transcender, sublimar, extasiar, irradiar, proferir este imperceptible temblor de lo finito que determina su límite y nos lo hace posible.
En un tiempo en donde la realidad, la naturaleza, e incluso el espíritu del hombre y la percepción que tenemos es excluida, devaluada, disuelta, negada; recluida a presentarse como recuerdo, eco , imagen espectral. Un tiempo en el que lo virtual se presenta acaparando todos los campos y planos a considerar por diversos y antagónicos que estos pudieran ser. Hacen que la realización, la materialización, la llegada de lo presencial a través de la objetivación de una obra de carácter poético - conceptual ayude a conformar una percepción de la dualidad presencia – ausencia en sus campos paradójicos. Invitando a generar un espacio de reflexión, huyendo de la máxima minimalista : “ what you see is what you see “ – lo que ves es lo que (hay) ves -, Frank Stella.
Ahondar en la necesidad de dialogar con lo otro, en los otros , a través de la identidad de la obra en su vertiente objeto – sujeto, se hace una necesidad. Así, en la presente exposición las obras se muestran en su relación sublimada, paradójica. En la dificultad de ser percibidas dentro de un espacio de reclusión – protección ( cajas de cristal ), en donde la presencia y el alejamiento al unísono invitan a reflexionar sobre nuestra propia percepción, de su estatus y de nuestra asunción como espectador – observador . Indagando en las ausencias que toda presencia invoca como llave que nos permita tener una comprensión más adecuada de la obra en sus diversos tránsitos.
“ Ya no somos capaces de afrontar la ausencia “; Piedad Solan
Lo inherente a la obra de arte sea la que sea su tipología, es la negación de la apariencia como límite aunque esta sea la propuesta del artista por paradigmática que parezca. Solamente en su transcender, a través de un sincero dialogar, es posible avanzar.
…” si somos inconformistas con la apariencia, lo seremos con los hechos “. Emilio LLedó
Lo paradójico es una manera de poner en evidencia los límites de la apariencia creando un campo de libertad, de superación, en donde la posibilidad de la visión poética, del pensamiento crítico y analítico se constituyan como márgenes de la aceptación de un hecho o presencia.
.” Ligar, desligar un nudo de correspondencias, un nudo de silencio, un avocarse al abismo. Buscando sus ecos en el olvido, en el ser del hombre, en los márgenes de la memoria, en sus agujeros “.
Antonio de Diego Arias. Artista
...un punto de contacto, una llave, una posibilidad, una dialéctica dentro fuera en donde esencia y existencia son llamadas como el “ eco “ de una campana en la inmensidad del espacio- tiempo. Transitar, transcender, sublimar, extasiar, irradiar, proferir este imperceptible temblor de lo finito que determina su límite y nos lo hace posible.
En un tiempo en donde la realidad, la naturaleza, e incluso el espíritu del hombre y la percepción que tenemos es excluida, devaluada, disuelta, negada; recluida a presentarse como recuerdo, eco , imagen espectral. Un tiempo en el que lo virtual se presenta acaparando todos los campos y planos a considerar por diversos y antagónicos que estos pudieran ser. Hacen que la realización, la materialización, la llegada de lo presencial a través de la objetivación de una obra de carácter poético - conceptual ayude a conformar una percepción de la dualidad presencia – ausencia en sus campos paradójicos. Invitando a generar un espacio de reflexión, huyendo de la máxima minimalista : “ what you see is what you see “ – lo que ves es lo que (hay) ves -, Frank Stella.
Ahondar en la necesidad de dialogar con lo otro, en los otros , a través de la identidad de la obra en su vertiente objeto – sujeto, se hace una necesidad. Así, en la presente exposición las obras se muestran en su relación sublimada, paradójica. En la dificultad de ser percibidas dentro de un espacio de reclusión – protección ( cajas de cristal ), en donde la presencia y el alejamiento al unísono invitan a reflexionar sobre nuestra propia percepción, de su estatus y de nuestra asunción como espectador – observador . Indagando en las ausencias que toda presencia invoca como llave que nos permita tener una comprensión más adecuada de la obra en sus diversos tránsitos.
“ Ya no somos capaces de afrontar la ausencia “; Piedad Solan
Lo inherente a la obra de arte sea la que sea su tipología, es la negación de la apariencia como límite aunque esta sea la propuesta del artista por paradigmática que parezca. Solamente en su transcender, a través de un sincero dialogar, es posible avanzar.
…” si somos inconformistas con la apariencia, lo seremos con los hechos “. Emilio LLedó
Lo paradójico es una manera de poner en evidencia los límites de la apariencia creando un campo de libertad, de superación, en donde la posibilidad de la visión poética, del pensamiento crítico y analítico se constituyan como márgenes de la aceptación de un hecho o presencia.
.” Ligar, desligar un nudo de correspondencias, un nudo de silencio, un avocarse al abismo. Buscando sus ecos en el olvido, en el ser del hombre, en los márgenes de la memoria, en sus agujeros “.
Antonio de Diego Arias. Artista
FICHA TÉCNICA
TÍTULO
CAMPOS PARADÓJICOS
ARTISTA
ANTONIO DE DIEGO ARIAS
MODALIDAD
PINTURA Y ESCULTURADIRECCIÓN Y COMISARIADOFERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZDISEÑOrb producciones
LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
INAUGURACIÓN
Viernes 16 de abril de 2010
DURACIÓN
Del 16 de abril al 6 de mayo de 2010
COLABORA
FUNDACIÓN UNICAJA
AYUNTAMIENTO DE ALHAMA DE ALMERÍA
TÍTULO
CAMPOS PARADÓJICOS
ARTISTA
ANTONIO DE DIEGO ARIAS
MODALIDAD
PINTURA Y ESCULTURADIRECCIÓN Y COMISARIADOFERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZDISEÑOrb producciones
LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
INAUGURACIÓN
Viernes 16 de abril de 2010
DURACIÓN
Del 16 de abril al 6 de mayo de 2010
COLABORA
FUNDACIÓN UNICAJA
AYUNTAMIENTO DE ALHAMA DE ALMERÍA
miércoles, 17 de marzo de 2010
MECA EN LA HABANA CON PROYECTO CIRCO
www.proyectocircocuba.org
MECA Mediterráneo Centro Artístico participa en el evento artístico internacional I Muestra de Videocreación Contemporánea: Cuba - España - Suiza, que se celebrará en La Habana (Cuba) el próximo 26 de marzo.
Este programa internacional es dirigido por la comisaria cubana Ada Azor.
La selección del comisario Fernando Barrionuevo ha sido la de los siguientes trabajos de video arte y video performance:
Maria Cañas, Sevilla
Kiss the fire/5:42/2007
100BISCOLECTIVO, Murcia-Madrid
(Sandra Ruiz y Miguel Maldonado)
Código Binario /6.45/2009
(Sandra Ruiz y Miguel Maldonado)
Código Binario /6.45/2009
Sandra Cartellone, Almería
Miradas/’54/2008
Sonidos/1:53/2008
Miradas/’54/2008
Sonidos/1:53/2008
Manolo Olmo Hoyo, Málaga
Panel informativo/2:30/2008
Panel informativo/2:30/2008
Rodrigo Valero, Almería
El observador/3:05/2008
El observador/3:05/2008
Verónica Ruth & Cyro García, Córdoba y Cádiz
Pájaros en la cabeza /3.50/2008
( Ganadora del 2º premio Pepe Espaliú )
La muestra, organizada por el Proyecto Circo. Performance & Audiovisuales, cumplirá este año su 7ª edición y recibe desde su primera edición la colaboración de la Consejería Cultural de la Embajada de España. En la sección Videocreación Española Contemporánea participan artistas de Andalucía, Madrid, Cantabria, Asturias, Islas Canarias y Castilla y León. Además esta muestra recibe la colaboración de MECA Mediterraneo Centro Artístico, el Festival de Fotografía y Video Foconarte, la Galería La Nave Espacial, Comissión Curatorial Group, Vera Icono Producciones y Acción! MAD.
Los demás artistas participantes en la muestra son Angel García Roldán, Fernando Baena, Lara + Coto, Beatriz Caravaggio, Pedro Deniz, Lena Peñate & Juan José Valencia, Enrique Cárdenes, Raquel Ponce, Nacho Ramírez, Javier Camarasa, Paco Guillen, Gregorio Viera, Silvia Moreno & Carmen La Griega, Ana Navarrete & Carmen Navarrete, PSJM, Marta de Gonzalo & Publio Pérez, Anna Gimein, Analía Beltrán, Paula Noya, Fabiana de Barros & Michel Favré (comisariados por Ada Azor), Alex Francés, Fátima Torconal, Eduardo Sourrouille, Felipe Ortega-Regalado, Francis Naranjo, Avelino Sala (comisariados por Juan Ramón Barbancho), Marijosé Tobal, Luis Bezeta, Majo G. Polanco, Equipo ACAI, Maichak Tamanaco (comisariados por Marta Mantecón, Coordinadora Festival Foconorte, Cantabria), Esther Ferrer, Isabel León, Eva Pérez, José Maria Calleja, Fernando Baena, Ángela García, Antonio Gómez, Carlos Felices, Maria Marticorena, (comisariados por Acción!MAD09/, Madrid), Chus García Fraile, Santiago Morilla, Pelayo Varela, Domingo Sánchez, Orson San Pedro, Maité Centol, Rubén Santiago, Avelino Sala (comisariados por Commission Curatorial Group, Gijón) y Peter Aerschmann, Philipp Gasser, Frantiček Klossner, Adela Picón, Michael Spahr, Quynh Dong, Katrin Wirz, Dominik Stauch, Jacqueline Baum, Mo Diener, Sibylla Walpen,Collectif_Fact y URNAMO (comisariados por Adela Picón, artista-multimedia residente en Suiza).
Pájaros en la cabeza /3.50/2008
( Ganadora del 2º premio Pepe Espaliú )
La muestra, organizada por el Proyecto Circo. Performance & Audiovisuales, cumplirá este año su 7ª edición y recibe desde su primera edición la colaboración de la Consejería Cultural de la Embajada de España. En la sección Videocreación Española Contemporánea participan artistas de Andalucía, Madrid, Cantabria, Asturias, Islas Canarias y Castilla y León. Además esta muestra recibe la colaboración de MECA Mediterraneo Centro Artístico, el Festival de Fotografía y Video Foconarte, la Galería La Nave Espacial, Comissión Curatorial Group, Vera Icono Producciones y Acción! MAD.
Los demás artistas participantes en la muestra son Angel García Roldán, Fernando Baena, Lara + Coto, Beatriz Caravaggio, Pedro Deniz, Lena Peñate & Juan José Valencia, Enrique Cárdenes, Raquel Ponce, Nacho Ramírez, Javier Camarasa, Paco Guillen, Gregorio Viera, Silvia Moreno & Carmen La Griega, Ana Navarrete & Carmen Navarrete, PSJM, Marta de Gonzalo & Publio Pérez, Anna Gimein, Analía Beltrán, Paula Noya, Fabiana de Barros & Michel Favré (comisariados por Ada Azor), Alex Francés, Fátima Torconal, Eduardo Sourrouille, Felipe Ortega-Regalado, Francis Naranjo, Avelino Sala (comisariados por Juan Ramón Barbancho), Marijosé Tobal, Luis Bezeta, Majo G. Polanco, Equipo ACAI, Maichak Tamanaco (comisariados por Marta Mantecón, Coordinadora Festival Foconorte, Cantabria), Esther Ferrer, Isabel León, Eva Pérez, José Maria Calleja, Fernando Baena, Ángela García, Antonio Gómez, Carlos Felices, Maria Marticorena, (comisariados por Acción!MAD09/, Madrid), Chus García Fraile, Santiago Morilla, Pelayo Varela, Domingo Sánchez, Orson San Pedro, Maité Centol, Rubén Santiago, Avelino Sala (comisariados por Commission Curatorial Group, Gijón) y Peter Aerschmann, Philipp Gasser, Frantiček Klossner, Adela Picón, Michael Spahr, Quynh Dong, Katrin Wirz, Dominik Stauch, Jacqueline Baum, Mo Diener, Sibylla Walpen,Collectif_Fact y URNAMO (comisariados por Adela Picón, artista-multimedia residente en Suiza).
lunes, 8 de marzo de 2010
SPLIT ON STEEL DE ROBERTO URBANO
INAUGURACIÓN, VIERNES 12 DE MARZO A LAS 20:00 H.
Plaza Bendicho 1, Almería
Del viernes 12 de marzo al 7 de abril de 2010
HÉROE Y ANTIHÉROE DE METAL
Si un artista trabaja con hierro o acero, se le exige que se comporte como un héroe, que lea a Hölderlin, que deteste la colonia y la música pop. Las obras de Roberto Urbano no requieren pactos con el Olimpo, pueden prescindir de la tragedia para barítonos y cambiar la cuadriga por un billete de tren. Él está salvado, él es otra cosa, un obús en el viejo vientre de la frivolidad, un embudo para las últimas y las primeras preguntas, suntuosamente moderno y clásico a la vez.
La pintura de Urbano tiene mucho de Ulises, pero es el Ulises de Joyce. Sus cuadros y su profundo sentido del hierro y del acero sirven para convocar al antihéroe. Se trata más bien de la antítesis del héroe levantada estrictamente con la fórmula y las dolencias de Homero. El Ulises de Joyce, sí, pero después de desesperar frente a un desierto. Los miras, y crece un aullido en un acantilado, te golpean casi al instante, resulta imposible detener el desafío y la incantación.
La obra de Urbano es de una hospitalidad violenta, poco entregada al lenguaje oportunista, pero hospitalidad, al fin y al cabo. Su pintura seca el alma y la germina con flores que no salvan, pero que animan, en la acepción más biológica del término, la circulación. De eso, probablemente, hablan los cuadros, del vacío que no puede ser vacío y se puebla de relieves, de espectros, de lenguajes a medio balbucir. No sabemos si Roberto es un héroe o apenas y, sobre todo, un individuo heroicamente lúcido y honesto, pero lo que está claro es que su manera de entender la materia y la antimateria habría merecido el respeto, sino el interés, de muchos de los que estuvieron ahí, en ese punto de no retorno, con la misma intensidad. Si la postmodernidad era esto, si la superposición de lenguajes empezaba así, bienvenida sea, el mundo está por inventar.
Lucas Martín Jurado
Poeta y periodista
Plaza Bendicho 1, Almería
Del viernes 12 de marzo al 7 de abril de 2010
HÉROE Y ANTIHÉROE DE METAL
Si un artista trabaja con hierro o acero, se le exige que se comporte como un héroe, que lea a Hölderlin, que deteste la colonia y la música pop. Las obras de Roberto Urbano no requieren pactos con el Olimpo, pueden prescindir de la tragedia para barítonos y cambiar la cuadriga por un billete de tren. Él está salvado, él es otra cosa, un obús en el viejo vientre de la frivolidad, un embudo para las últimas y las primeras preguntas, suntuosamente moderno y clásico a la vez.
La pintura de Urbano tiene mucho de Ulises, pero es el Ulises de Joyce. Sus cuadros y su profundo sentido del hierro y del acero sirven para convocar al antihéroe. Se trata más bien de la antítesis del héroe levantada estrictamente con la fórmula y las dolencias de Homero. El Ulises de Joyce, sí, pero después de desesperar frente a un desierto. Los miras, y crece un aullido en un acantilado, te golpean casi al instante, resulta imposible detener el desafío y la incantación.
La obra de Urbano es de una hospitalidad violenta, poco entregada al lenguaje oportunista, pero hospitalidad, al fin y al cabo. Su pintura seca el alma y la germina con flores que no salvan, pero que animan, en la acepción más biológica del término, la circulación. De eso, probablemente, hablan los cuadros, del vacío que no puede ser vacío y se puebla de relieves, de espectros, de lenguajes a medio balbucir. No sabemos si Roberto es un héroe o apenas y, sobre todo, un individuo heroicamente lúcido y honesto, pero lo que está claro es que su manera de entender la materia y la antimateria habría merecido el respeto, sino el interés, de muchos de los que estuvieron ahí, en ese punto de no retorno, con la misma intensidad. Si la postmodernidad era esto, si la superposición de lenguajes empezaba así, bienvenida sea, el mundo está por inventar.
Lucas Martín Jurado
Poeta y periodista
FICHA TÉCNICA
TÍTULO
SPLIT ON STEEL
ARTISTA
ROBERTO URBANO
MODALIDAD
ESCULTURA
DIRECCIÓN Y COMISARIADO
FERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZ
DISEÑO
rb producciones
LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
INAUGURACIÓN
Viernes 12 de marzo a las 20:00 h.
DURACIÓN
Del 12 de marzo al 7 de abril de 2010
COLABORA
FUNDACIÓN UNICAJA
viernes, 19 de febrero de 2010
WORK IN PROGRESS (Gabi Dodero y Carmen Olsson)
ÚNICO ACTO, MARTES 23 DE FEBRERO A LAS 20:30 H.
WORK IN PROGRESS
e.in.migrar o la investigación de una necesidad
GABI DODERO Y CARMEN OLSSON
Colaboración de Antonio Torres Heredia (El Rilete)
Plaza Bendicho 1, Almería
WORK IN PROGRESS
e.in.migrar o la investigación de una necesidad
GABI DODERO Y CARMEN OLSSON
Colaboración de Antonio Torres Heredia (El Rilete)
Plaza Bendicho 1, Almería
Carmen Olsson es una coreógrafa y bailarina sueca, que con su herencia nórdica y española, ha desarrollado un estilo personal del arte escénico japonés llamado Butó que consiste en un proceso de transformación metamórfico de la bailarina más que en una expresión corporal codificada.
“Los paisajes permanecen tanto fuera como dentro de nosotros. I varje kroppsdel finns en rikedom som kan uttryckas och ge verklighet åt både synliga och osynliga tillstånd. En cada rama hay una riqueza que puede ser expresada, y dar realidad a la vez visible e invisible del estado personal. Kroppens metamorfos, ibland så långsam att den tycks omöjlig att se med blotta ögat, ibland helt plötslig och oväntad, ibland tveklös och ibland osäker. La metamorfosis del cuerpo, a veces es tan lenta que parece imposible verla a simple vista, a veces es muy brusca e inesperada, a veces inflexible y a veces es incierta. Det är min dans. Es mi baile.” Carmen Olsson
“Los paisajes permanecen tanto fuera como dentro de nosotros. I varje kroppsdel finns en rikedom som kan uttryckas och ge verklighet åt både synliga och osynliga tillstånd. En cada rama hay una riqueza que puede ser expresada, y dar realidad a la vez visible e invisible del estado personal. Kroppens metamorfos, ibland så långsam att den tycks omöjlig att se med blotta ögat, ibland helt plötslig och oväntad, ibland tveklös och ibland osäker. La metamorfosis del cuerpo, a veces es tan lenta que parece imposible verla a simple vista, a veces es muy brusca e inesperada, a veces inflexible y a veces es incierta. Det är min dans. Es mi baile.” Carmen Olsson
Gabi Dodero es artista plástica, nacida en Viena, criada en Argentina y residente en España. Gran parte de su obra se basa en la investigación sobre redes y arbitrariedades sociales.
Desde el año 2008 ambas artistas comenzaron a colaborar, desarrollando proyectos siempre basados en el estudio del espacio-tiempo.
Con esta actuación “e.in.migrar o la investigación de una necesidad” van a dejar constancia de los fuertes sentimientos que arrastran a las personas a buscar en otras geografías, a rememorar u olvidar lo que dejan atrás y a manifestar el sentido del retorno.
Este trabajo cuenta con la colaboración de Antonio Torres Heredia ( El Rilete ), quien acompañará con su caja flamenca esta acción de danza e imágenes .
Desde el año 2008 ambas artistas comenzaron a colaborar, desarrollando proyectos siempre basados en el estudio del espacio-tiempo.
Con esta actuación “e.in.migrar o la investigación de una necesidad” van a dejar constancia de los fuertes sentimientos que arrastran a las personas a buscar en otras geografías, a rememorar u olvidar lo que dejan atrás y a manifestar el sentido del retorno.
Este trabajo cuenta con la colaboración de Antonio Torres Heredia ( El Rilete ), quien acompañará con su caja flamenca esta acción de danza e imágenes .
FICHA TÉCNICA
TÍTULO
WORK IN PROGRESS “ e.in.migrar o la investigación de una necesidad”
ARTISTAS
GABI DODERO Y CARMEN OLSSON
MODALIDAD
PERFORMANCE
DIRECCIÓN
FERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZ
DISEÑO
rb producciones
LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es/; http://limitearte.blogspot.com/
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
ÚNICO ACTO
Martes 23 de febrero a las 20:30 h
COLABORA
FUNDACIÓN UNICAJA
domingo, 7 de febrero de 2010
MECA INAUGURA 2010 CON MANOLO OLMO HOYO
ALLEGRO MA NON TROPPO
EXPOSICIÓN DEL ARTISTA GRANADIDO
MANOLO OLMO HOYO
Viernes, 12 de Febrero a las 20:00 hr
[OBRAS]
A propósito de la exposición Allegro Ma Non Troppo de Manolo Olmo Hoyo.No me parece exagerado aseverar que a partir de Gerhard Richter existe un antes y un después de la pintura. Seguramente es nuestro más cercano punto de inflexión. Porque con Richter el lienzo ya no está vacío de antemano y la pintura no sirve para producir la imagen sino que es la imagen la que nos sirve para producir pintura. Así, es la imagen, o su dislocación, la que genera otra nueva imagen. Una suerte de Ready made.
David Barro en antes de ayer y pasado mañana.
La pintura de hoy se ocupa de muchas tareas. La de Manolo Olmo Hoyo es, al igual que otros muchos artistas de su generación, una suerte de ritual que tiene el propósito, por encima de cualquier otra idea, de construir otra nueva “imagen”.
Por otra parte, desde la aparición de la fotografía como vehículo que nos informa de la realidad, comenzaremos a ver como paulatinamente la pintura se libera de esta tarea desplazándola más rápidamente hacia un terreno más subjetivo y de exploración del lenguaje. La pintura, consecuentemente, pasará a ser un dispositivo de cuestionamiento sobre la realidad y por lo tanto de todo lo que ocurre entre ella y la pintura. Primero en las diferencias desde la experimentación y segundo, como vehículo posible de conocimiento frente al mundo.
Estas dos aseveraciones que son un lugar común en el devenir de la pintura desde los años noventa junto a la cita nos sitúan en el un punto de partida que nos permite entender la idea que soporta el trabajo de Olmo Hoyo.
De la duración de la pintura.
Cuando la cámara fotográfica retiene un instante, en realidad se intenta captar el lado escondido de lo visible. Son imágenes existentes que quieren capturar la imagen que refleja la realidad, que por otra parte no son nunca la imagen de lo real, sino la mirada transversal de esta, el instante de un presente que flota en la memoria. Así nos damos cuenta que al convertirlas en pintura se tornan densas siendo el resultado de una manera tensa de aprehender la realidad. Las imágenes de los cuadros de Manolo Olmo Hoyo se toman en un instante, pero cobran forma tras ser perseguidas lentamente. Se caracterizan precisamente por que tienen su propio tiempo. Hay instantes vividos como instantes decisivos, como algo que vendrá.
De todas formas, la duración de la pintura frente al carácter efímero del mundo de las imágenes no es tan opuesto y nítido. Y no obstante la naturaleza de la pintura va a seguir siendo distinta y privilegiada frente al mundo de las imágenes, tanto en cuanto la cultura sancione un espacio para el arte.
De los valores de la pintura.
La obra de Manolo Olmo Hoyo está dotada de un conjunto de valores que difuminan una realidad, suspenden el significado y al mismo tiempo nos desvela la trama de su realización. No se trata de imitar las fotografías sino de reconstruir las imágenes y de volverlas a hacer.
Podríamos hablar de las reducciones tonales y de la búsqueda de una sensualidad en sus veladuras. De la simplificación a contornos y líneas de las imágenes, pero son otras razones más poderosas las que nos parece que merecen la pena revisar.
Para empezar una fotografía tomada del ámbito cotidiano define un instante no exento de una cierta narratividad, alterándola para que no sea significante por sí, sino gracias al nuevo contexto en el que aparecerá. Se trata de pedir otras cosas a la imagen o trabajarla de otro modo para que aborde contenidos inabarcables por la imagen convencional.
Se trata de producir una obra más abierta –como lo son las sensaciones- conscientes de que la imagen pintura no compite con otros modos de imagen: el cine, la publicidad, la televisión y por que su consumo requiere de otro tiempo distinto. Se manipula la imagen en cuanto a su contenido, definición y color. Para alejarla de la imagen original. Para despojarla de cualquier anécdota, descontextualizarla para convertirla en algo parecido a un emblema, o cliché. Intentado unificar una apariencia, crear una continuidad manipulando las formas y simplificándolas.
Al comenzar a pintar se producen dos consecuencias inmediatas: la ampliación de la escala de la imagen modelo y el delicado proceso de humanización de la imagen, consciente de que en este momento, la manualidad otorga a la imagen unos valores que la imagen fotográfica no posee. Despacio y de un modo minucioso, reflexionando el valor espacial y psicológico de la línea y del color, se pinta la imagen.
Profundizando aún más en el proceso, el modo aparentemente frío de repetir la imagen nos lleva a un punto de la representación en el que aparentemente aparecen pocos valores de la pintura. Ya hemos dicho que en el ejercicio de transposición en su ejecución es donde se produce un ajuste final y real de Humanización.
La pintura es una práctica tradicional que se muestra de modo tradicional, pero a la vez se interroga sobre el modo de exponerse, sobre el modo de ser esa imagen y sobre el modo de mirar todo ello.
La escala es para la pintura la posibilidad de extensión al espacio físico y que pueda ser percibido por el espectador como un objeto con el que dialoga visual y espacialmente. Las imágenes son transportadas de manera mecánica. La escala de los objetos representados, generalmente no tiene nada que ver con su escala real, son ampliadas.
La materia pictórica no es un problema, sino el color y la organización de este. La operación pictórica se reduce a trasladar a la superficie la imagen sin preocuparse ni de la textura, ni de la pincelada. En todo caso, la pincelada que es muy poco evidente se adscribe a reproducir el material gráfico, se supedita a la forma y al esquema general.
Las imágenes son construidas por una pincelada que queda oculta. Las herramientas son el proyector, los rotuladores y los pinceles muy blandos. El material es el óleo sin textura… plano. Elementos voluntarios y modos de trabajar puestos al servicio de la construcción de una nueva imagen. La resolución tiene que alcanzar un nivel de nitidez que arrastre las cualidades de la huella de lo fotográfico.
Contra todo este orden, aparece lo que queda fuera de la operación consciente. Lo involuntario trae un tipo de imágenes en las que la técnica y el proceso desde su propia actitud hacen que hablen los materiales y la materia, por que solamente así, la obra puede penetrar en el campo de la sensación compleja y combinada y superar la limitada comunicación de una imagen.
La imagen en la pintura.
Pedro Osakar Olaiz ( Artista y Catedrático Universidad de Granada )FICHA TÉCNICA
TÍTULO
ALLEGRO MA NON TROPPO
ARTISTA
MANOLO OLMO HOYO
MODALIDAD
PINTURA
DIRECCIÓN Y COMISARIADO
FERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTAROSA MUÑOZ
DISEÑO
rb producciones
LUGARMECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
INAUGURACIÓN
Viernes 12 de febrero a las 20:00 h.
DURACIÓN
Del 12 de febrero al 4 de marzo de 2010
COLABORAFUNDACIÓN UNICAJA
David Barro en antes de ayer y pasado mañana.
La pintura de hoy se ocupa de muchas tareas. La de Manolo Olmo Hoyo es, al igual que otros muchos artistas de su generación, una suerte de ritual que tiene el propósito, por encima de cualquier otra idea, de construir otra nueva “imagen”.
Por otra parte, desde la aparición de la fotografía como vehículo que nos informa de la realidad, comenzaremos a ver como paulatinamente la pintura se libera de esta tarea desplazándola más rápidamente hacia un terreno más subjetivo y de exploración del lenguaje. La pintura, consecuentemente, pasará a ser un dispositivo de cuestionamiento sobre la realidad y por lo tanto de todo lo que ocurre entre ella y la pintura. Primero en las diferencias desde la experimentación y segundo, como vehículo posible de conocimiento frente al mundo.
Estas dos aseveraciones que son un lugar común en el devenir de la pintura desde los años noventa junto a la cita nos sitúan en el un punto de partida que nos permite entender la idea que soporta el trabajo de Olmo Hoyo.
De la duración de la pintura.
Cuando la cámara fotográfica retiene un instante, en realidad se intenta captar el lado escondido de lo visible. Son imágenes existentes que quieren capturar la imagen que refleja la realidad, que por otra parte no son nunca la imagen de lo real, sino la mirada transversal de esta, el instante de un presente que flota en la memoria. Así nos damos cuenta que al convertirlas en pintura se tornan densas siendo el resultado de una manera tensa de aprehender la realidad. Las imágenes de los cuadros de Manolo Olmo Hoyo se toman en un instante, pero cobran forma tras ser perseguidas lentamente. Se caracterizan precisamente por que tienen su propio tiempo. Hay instantes vividos como instantes decisivos, como algo que vendrá.
De todas formas, la duración de la pintura frente al carácter efímero del mundo de las imágenes no es tan opuesto y nítido. Y no obstante la naturaleza de la pintura va a seguir siendo distinta y privilegiada frente al mundo de las imágenes, tanto en cuanto la cultura sancione un espacio para el arte.
De los valores de la pintura.
La obra de Manolo Olmo Hoyo está dotada de un conjunto de valores que difuminan una realidad, suspenden el significado y al mismo tiempo nos desvela la trama de su realización. No se trata de imitar las fotografías sino de reconstruir las imágenes y de volverlas a hacer.
Podríamos hablar de las reducciones tonales y de la búsqueda de una sensualidad en sus veladuras. De la simplificación a contornos y líneas de las imágenes, pero son otras razones más poderosas las que nos parece que merecen la pena revisar.
Para empezar una fotografía tomada del ámbito cotidiano define un instante no exento de una cierta narratividad, alterándola para que no sea significante por sí, sino gracias al nuevo contexto en el que aparecerá. Se trata de pedir otras cosas a la imagen o trabajarla de otro modo para que aborde contenidos inabarcables por la imagen convencional.
Se trata de producir una obra más abierta –como lo son las sensaciones- conscientes de que la imagen pintura no compite con otros modos de imagen: el cine, la publicidad, la televisión y por que su consumo requiere de otro tiempo distinto. Se manipula la imagen en cuanto a su contenido, definición y color. Para alejarla de la imagen original. Para despojarla de cualquier anécdota, descontextualizarla para convertirla en algo parecido a un emblema, o cliché. Intentado unificar una apariencia, crear una continuidad manipulando las formas y simplificándolas.
Al comenzar a pintar se producen dos consecuencias inmediatas: la ampliación de la escala de la imagen modelo y el delicado proceso de humanización de la imagen, consciente de que en este momento, la manualidad otorga a la imagen unos valores que la imagen fotográfica no posee. Despacio y de un modo minucioso, reflexionando el valor espacial y psicológico de la línea y del color, se pinta la imagen.
Profundizando aún más en el proceso, el modo aparentemente frío de repetir la imagen nos lleva a un punto de la representación en el que aparentemente aparecen pocos valores de la pintura. Ya hemos dicho que en el ejercicio de transposición en su ejecución es donde se produce un ajuste final y real de Humanización.
La pintura es una práctica tradicional que se muestra de modo tradicional, pero a la vez se interroga sobre el modo de exponerse, sobre el modo de ser esa imagen y sobre el modo de mirar todo ello.
La escala es para la pintura la posibilidad de extensión al espacio físico y que pueda ser percibido por el espectador como un objeto con el que dialoga visual y espacialmente. Las imágenes son transportadas de manera mecánica. La escala de los objetos representados, generalmente no tiene nada que ver con su escala real, son ampliadas.
La materia pictórica no es un problema, sino el color y la organización de este. La operación pictórica se reduce a trasladar a la superficie la imagen sin preocuparse ni de la textura, ni de la pincelada. En todo caso, la pincelada que es muy poco evidente se adscribe a reproducir el material gráfico, se supedita a la forma y al esquema general.
Las imágenes son construidas por una pincelada que queda oculta. Las herramientas son el proyector, los rotuladores y los pinceles muy blandos. El material es el óleo sin textura… plano. Elementos voluntarios y modos de trabajar puestos al servicio de la construcción de una nueva imagen. La resolución tiene que alcanzar un nivel de nitidez que arrastre las cualidades de la huella de lo fotográfico.
Contra todo este orden, aparece lo que queda fuera de la operación consciente. Lo involuntario trae un tipo de imágenes en las que la técnica y el proceso desde su propia actitud hacen que hablen los materiales y la materia, por que solamente así, la obra puede penetrar en el campo de la sensación compleja y combinada y superar la limitada comunicación de una imagen.
La imagen en la pintura.
Pedro Osakar Olaiz ( Artista y Catedrático Universidad de Granada )FICHA TÉCNICA
TÍTULO
ALLEGRO MA NON TROPPO
ARTISTA
MANOLO OLMO HOYO
MODALIDAD
PINTURA
DIRECCIÓN Y COMISARIADO
FERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTAROSA MUÑOZ
DISEÑO
rb producciones
LUGARMECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.
INAUGURACIÓN
Viernes 12 de febrero a las 20:00 h.
DURACIÓN
Del 12 de febrero al 4 de marzo de 2010
COLABORAFUNDACIÓN UNICAJA
viernes, 8 de enero de 2010
MECA LAMENTA LA PÉRDIDA DE MANUEL FALCES
Desde MECA lamentamos la enorme pérdida para la cultura que ha supuesto el fallecimiento de Manuel Falces. Gracias a su generosidad Almería se convirtió en centro universal de referencia fotográfica.
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