MECA EN LA HABANA CON PROYECTO CIRCO

www.proyectocircocuba.org

MECA Mediterráneo Centro Artístico participa en el evento artístico internacional I Muestra de Videocreación Contemporánea: Cuba - España - Suiza, que se celebrará en La Habana (Cuba) el próximo 26 de marzo.

Este programa internacional es dirigido por la comisaria cubana Ada Azor.

La selección del comisario Fernando Barrionuevo ha sido la de los siguientes trabajos de video arte y video performance:

Maria Cañas, Sevilla
Kiss the fire/5:42/2007

100BISCOLECTIVO, Murcia-Madrid
(Sandra Ruiz y Miguel Maldonado)
Código Binario /6.45/2009

Sandra Cartellone, Almería
Miradas/’54/2008
Sonidos/1:53/2008

Manolo Olmo Hoyo, Málaga
Panel informativo/2:30/2008

Rodrigo Valero, Almería
El observador/3:05/2008

Verónica Ruth & Cyro García, Córdoba y Cádiz
Pájaros en la cabeza /3.50/2008
( Ganadora del 2º premio Pepe Espaliú )

La muestra, organizada por el Proyecto Circo. Performance & Audiovisuales, cumplirá este año su 7ª edición y recibe desde su primera edición la colaboración de la Consejería Cultural de la Embajada de España. En la sección Videocreación Española Contemporánea participan artistas de Andalucía, Madrid, Cantabria, Asturias, Islas Canarias y Castilla y León. Además esta muestra recibe la colaboración de MECA Mediterraneo Centro Artístico, el Festival de Fotografía y Video Foconarte, la Galería La Nave Espacial, Comissión Curatorial Group, Vera Icono Producciones y Acción! MAD.

Los demás artistas participantes en la muestra son Angel García Roldán, Fernando Baena, Lara + Coto, Beatriz Caravaggio, Pedro Deniz, Lena Peñate & Juan José Valencia, Enrique Cárdenes, Raquel Ponce, Nacho Ramírez, Javier Camarasa, Paco Guillen, Gregorio Viera, Silvia Moreno & Carmen La Griega, Ana Navarrete & Carmen Navarrete, PSJM, Marta de Gonzalo & Publio Pérez, Anna Gimein, Analía Beltrán, Paula Noya, Fabiana de Barros & Michel Favré (comisariados por Ada Azor), Alex Francés, Fátima Torconal, Eduardo Sourrouille, Felipe Ortega-Regalado, Francis Naranjo, Avelino Sala (comisariados por Juan Ramón Barbancho), Marijosé Tobal, Luis Bezeta, Majo G. Polanco, Equipo ACAI, Maichak Tamanaco (comisariados por Marta Mantecón, Coordinadora Festival Foconorte, Cantabria), Esther Ferrer, Isabel León, Eva Pérez, José Maria Calleja, Fernando Baena, Ángela García, Antonio Gómez, Carlos Felices, Maria Marticorena, (comisariados por Acción!MAD09/, Madrid), Chus García Fraile, Santiago Morilla, Pelayo Varela, Domingo Sánchez, Orson San Pedro, Maité Centol, Rubén Santiago, Avelino Sala (comisariados por Commission Curatorial Group, Gijón) y Peter Aerschmann, Philipp Gasser, Frantiček Klossner, Adela Picón, Michael Spahr, Quynh Dong, Katrin Wirz, Dominik Stauch, Jacqueline Baum, Mo Diener, Sibylla Walpen,Collectif_Fact y URNAMO (comisariados por Adela Picón, artista-multimedia residente en Suiza).

SPLIT ON STEEL DE ROBERTO URBANO

INAUGURACIÓN, VIERNES 12 DE MARZO A LAS 20:00 H.
Plaza Bendicho 1, Almería

Del viernes 12 de marzo al 7 de abril de 2010

HÉROE Y ANTIHÉROE DE METAL

Si un artista trabaja con hierro o acero, se le exige que se comporte como un héroe, que lea a Hölderlin, que deteste la colonia y la música pop. Las obras de Roberto Urbano no requieren pactos con el Olimpo, pueden prescindir de la tragedia para barítonos y cambiar la cuadriga por un billete de tren. Él está salvado, él es otra cosa, un obús en el viejo vientre de la frivolidad, un embudo para las últimas y las primeras preguntas, suntuosamente moderno y clásico a la vez.
La pintura de Urbano tiene mucho de Ulises, pero es el Ulises de Joyce. Sus cuadros y su profundo sentido del hierro y del acero sirven para convocar al antihéroe. Se trata más bien de la antítesis del héroe levantada estrictamente con la fórmula y las dolencias de Homero. El Ulises de Joyce, sí, pero después de desesperar frente a un desierto. Los miras, y crece un aullido en un acantilado, te golpean casi al instante, resulta imposible detener el desafío y la incantación.
La obra de Urbano es de una hospitalidad violenta, poco entregada al lenguaje oportunista, pero hospitalidad, al fin y al cabo. Su pintura seca el alma y la germina con flores que no salvan, pero que animan, en la acepción más biológica del término, la circulación. De eso, probablemente, hablan los cuadros, del vacío que no puede ser vacío y se puebla de relieves, de espectros, de lenguajes a medio balbucir. No sabemos si Roberto es un héroe o apenas y, sobre todo, un individuo heroicamente lúcido y honesto, pero lo que está claro es que su manera de entender la materia y la antimateria habría merecido el respeto, sino el interés, de muchos de los que estuvieron ahí, en ese punto de no retorno, con la misma intensidad. Si la postmodernidad era esto, si la superposición de lenguajes empezaba así, bienvenida sea, el mundo está por inventar.

Lucas Martín Jurado
Poeta y periodista

FICHA TÉCNICA

TÍTULO
SPLIT ON STEEL

ARTISTA
ROBERTO URBANO

MODALIDAD
ESCULTURA

DIRECCIÓN Y COMISARIADO
FERNANDO BARRIONUEVO

DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZ

DISEÑO
rb producciones

LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.

INAUGURACIÓN
Viernes 12 de marzo a las 20:00 h.

DURACIÓN
Del 12 de marzo al 7 de abril de 2010
COLABORA
FUNDACIÓN UNICAJA

WORK IN PROGRESS (Gabi Dodero y Carmen Olsson)

ÚNICO ACTO, MARTES 23 DE FEBRERO A LAS 20:30 H.

WORK IN PROGRESS
e.in.migrar o la investigación de una necesidad

GABI DODERO Y CARMEN OLSSON
Colaboración de Antonio Torres Heredia (El Rilete)

Plaza Bendicho 1, Almería

Carmen Olsson es una coreógrafa y bailarina sueca, que con su herencia nórdica y española, ha desarrollado un estilo personal del arte escénico japonés llamado Butó que consiste en un proceso de transformación metamórfico de la bailarina más que en una expresión corporal codificada.
“Los paisajes permanecen tanto fuera como dentro de nosotros. I varje kroppsdel finns en rikedom som kan uttryckas och ge verklighet åt både synliga och osynliga tillstånd. En cada rama hay una riqueza que puede ser expresada, y dar realidad a la vez visible e invisible del estado personal. Kroppens metamorfos, ibland så långsam att den tycks omöjlig att se med blotta ögat, ibland helt plötslig och oväntad, ibland tveklös och ibland osäker. La metamorfosis del cuerpo, a veces es tan lenta que parece imposible verla a simple vista, a veces es muy brusca e inesperada, a veces inflexible y a veces es incierta. Det är min dans. Es mi baile.” Carmen Olsson

Gabi Dodero es artista plástica, nacida en Viena, criada en Argentina y residente en España. Gran parte de su obra se basa en la investigación sobre redes y arbitrariedades sociales.

Desde el año 2008 ambas artistas comenzaron a colaborar, desarrollando proyectos siempre basados en el estudio del espacio-tiempo.

Con esta actuación “e.in.migrar o la investigación de una necesidad” van a dejar constancia de los fuertes sentimientos que arrastran a las personas a buscar en otras geografías, a rememorar u olvidar lo que dejan atrás y a manifestar el sentido del retorno.

Este trabajo cuenta con la colaboración de Antonio Torres Heredia ( El Rilete ), quien acompañará con su caja flamenca esta acción de danza e imágenes .

FICHA TÉCNICA

TÍTULO
WORK IN PROGRESS “ e.in.migrar o la investigación de una necesidad”

ARTISTAS
GABI DODERO Y CARMEN OLSSON

MODALIDAD
PERFORMANCE

DIRECCIÓN
FERNANDO BARRIONUEVO

DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZ

DISEÑO
rb producciones

LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es/; http://limitearte.blogspot.com/
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.

ÚNICO ACTO
Martes 23 de febrero a las 20:30 h

COLABORA
FUNDACIÓN UNICAJA

MECA INAUGURA 2010 CON MANOLO OLMO HOYO

ALLEGRO MA NON TROPPO

EXPOSICIÓN DEL ARTISTA GRANADIDO

MANOLO OLMO HOYO

Viernes, 12 de Febrero a las 20:00 hr

[OBRAS]

A propósito de la exposición Allegro Ma Non Troppo de Manolo Olmo Hoyo.No me parece exagerado aseverar que a partir de Gerhard Richter existe un antes y un después de la pintura. Seguramente es nuestro más cercano punto de inflexión. Porque con Richter el lienzo ya no está vacío de antemano y la pintura no sirve para producir la imagen sino que es la imagen la que nos sirve para producir pintura. Así, es la imagen, o su dislocación, la que genera otra nueva imagen. Una suerte de Ready made.
David Barro en antes de ayer y pasado mañana.

La pintura de hoy se ocupa de muchas tareas. La de Manolo Olmo Hoyo es, al igual que otros muchos artistas de su generación, una suerte de ritual que tiene el propósito, por encima de cualquier otra idea, de construir otra nueva “imagen”.
Por otra parte, desde la aparición de la fotografía como vehículo que nos informa de la realidad, comenzaremos a ver como paulatinamente la pintura se libera de esta tarea desplazándola más rápidamente hacia un terreno más subjetivo y de exploración del lenguaje. La pintura, consecuentemente, pasará a ser un dispositivo de cuestionamiento sobre la realidad y por lo tanto de todo lo que ocurre entre ella y la pintura. Primero en las diferencias desde la experimentación y segundo, como vehículo posible de conocimiento frente al mundo.

Estas dos aseveraciones que son un lugar común en el devenir de la pintura desde los años noventa junto a la cita nos sitúan en el un punto de partida que nos permite entender la idea que soporta el trabajo de Olmo Hoyo.

De la duración de la pintura.

Cuando la cámara fotográfica retiene un instante, en realidad se intenta captar el lado escondido de lo visible. Son imágenes existentes que quieren capturar la imagen que refleja la realidad, que por otra parte no son nunca la imagen de lo real, sino la mirada transversal de esta, el instante de un presente que flota en la memoria. Así nos damos cuenta que al convertirlas en pintura se tornan densas siendo el resultado de una manera tensa de aprehender la realidad. Las imágenes de los cuadros de Manolo Olmo Hoyo se toman en un instante, pero cobran forma tras ser perseguidas lentamente. Se caracterizan precisamente por que tienen su propio tiempo. Hay instantes vividos como instantes decisivos, como algo que vendrá.

De todas formas, la duración de la pintura frente al carácter efímero del mundo de las imágenes no es tan opuesto y nítido. Y no obstante la naturaleza de la pintura va a seguir siendo distinta y privilegiada frente al mundo de las imágenes, tanto en cuanto la cultura sancione un espacio para el arte.

De los valores de la pintura.

La obra de Manolo Olmo Hoyo está dotada de un conjunto de valores que difuminan una realidad, suspenden el significado y al mismo tiempo nos desvela la trama de su realización. No se trata de imitar las fotografías sino de reconstruir las imágenes y de volverlas a hacer.

Podríamos hablar de las reducciones tonales y de la búsqueda de una sensualidad en sus veladuras. De la simplificación a contornos y líneas de las imágenes, pero son otras razones más poderosas las que nos parece que merecen la pena revisar.

Para empezar una fotografía tomada del ámbito cotidiano define un instante no exento de una cierta narratividad, alterándola para que no sea significante por sí, sino gracias al nuevo contexto en el que aparecerá. Se trata de pedir otras cosas a la imagen o trabajarla de otro modo para que aborde contenidos inabarcables por la imagen convencional.

Se trata de producir una obra más abierta –como lo son las sensaciones- conscientes de que la imagen pintura no compite con otros modos de imagen: el cine, la publicidad, la televisión y por que su consumo requiere de otro tiempo distinto. Se manipula la imagen en cuanto a su contenido, definición y color. Para alejarla de la imagen original. Para despojarla de cualquier anécdota, descontextualizarla para convertirla en algo parecido a un emblema, o cliché. Intentado unificar una apariencia, crear una continuidad manipulando las formas y simplificándolas.

Al comenzar a pintar se producen dos consecuencias inmediatas: la ampliación de la escala de la imagen modelo y el delicado proceso de humanización de la imagen, consciente de que en este momento, la manualidad otorga a la imagen unos valores que la imagen fotográfica no posee. Despacio y de un modo minucioso, reflexionando el valor espacial y psicológico de la línea y del color, se pinta la imagen.
Profundizando aún más en el proceso, el modo aparentemente frío de repetir la imagen nos lleva a un punto de la representación en el que aparentemente aparecen pocos valores de la pintura. Ya hemos dicho que en el ejercicio de transposición en su ejecución es donde se produce un ajuste final y real de Humanización.

La pintura es una práctica tradicional que se muestra de modo tradicional, pero a la vez se interroga sobre el modo de exponerse, sobre el modo de ser esa imagen y sobre el modo de mirar todo ello.

La escala es para la pintura la posibilidad de extensión al espacio físico y que pueda ser percibido por el espectador como un objeto con el que dialoga visual y espacialmente. Las imágenes son transportadas de manera mecánica. La escala de los objetos representados, generalmente no tiene nada que ver con su escala real, son ampliadas.
La materia pictórica no es un problema, sino el color y la organización de este. La operación pictórica se reduce a trasladar a la superficie la imagen sin preocuparse ni de la textura, ni de la pincelada. En todo caso, la pincelada que es muy poco evidente se adscribe a reproducir el material gráfico, se supedita a la forma y al esquema general.
Las imágenes son construidas por una pincelada que queda oculta. Las herramientas son el proyector, los rotuladores y los pinceles muy blandos. El material es el óleo sin textura… plano. Elementos voluntarios y modos de trabajar puestos al servicio de la construcción de una nueva imagen. La resolución tiene que alcanzar un nivel de nitidez que arrastre las cualidades de la huella de lo fotográfico.
Contra todo este orden, aparece lo que queda fuera de la operación consciente. Lo involuntario trae un tipo de imágenes en las que la técnica y el proceso desde su propia actitud hacen que hablen los materiales y la materia, por que solamente así, la obra puede penetrar en el campo de la sensación compleja y combinada y superar la limitada comunicación de una imagen.
La imagen en la pintura.
Pedro Osakar Olaiz ( Artista y Catedrático Universidad de Granada )FICHA TÉCNICA

TÍTULO
ALLEGRO MA NON TROPPO

ARTISTA
MANOLO OLMO HOYO

MODALIDAD
PINTURA

DIRECCIÓN Y COMISARIADO
FERNANDO BARRIONUEVO
DIRECCIÓN ADJUNTAROSA MUÑOZ

DISEÑO
rb producciones
LUGARMECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.

INAUGURACIÓN
Viernes 12 de febrero a las 20:00 h.

DURACIÓN
Del 12 de febrero al 4 de marzo de 2010
COLABORAFUNDACIÓN UNICAJA

MECA LAMENTA LA PÉRDIDA DE MANUEL FALCES

Desde MECA lamentamos la enorme pérdida para la cultura que ha supuesto el fallecimiento de Manuel Falces. Gracias a su generosidad Almería se convirtió en centro universal de referencia fotográfica.

FELIZ X ANIVERSARIO DEL SIGLO XXI

MECA PRESENTA

[OBRAS]

CRIPPLED SYMMETRIES. EDUARDO MARTÍN DEL POZOINAUGURACIÓN
VIERNES 20 DE NOVIEMBRE A LAS 20:00 H. Plaza Bendicho 1, Almería

ACTIVIDAD PARALELA
Presentación y entrega del Catálogo EXPERIENCIA 2009, LA CAÍDA DE LOS MUROS

Del viernes 20 de noviembre al jueves 10 de diciembre de 2009
Eduardo Martín del Pozo es un artista que aunque nacido en Madrid, tiene un vínculo muy especial con Almería, no en vano y como él mismo dice “del Cabo a Eduardo y de Eduardo al Cabo“ sólo hay un paso. Su pasión por el paisaje y los contextos del Parque Natural de Cabo de Gata se hace ver en su personalidad tranquila, pausada pero con intensos arrebatos de serenidad controladas que inevitablemente traslada a su obra en forma de trazos cromáticos y de alta firmeza expresiva.
Para Eduardo el arte es un todo indivisible al ser humano, así la música, la pintura, la escultura, la literatura y el teatro van unidos en su lenguaje plástico que invita al espectador a regodearse en procesos continuos de abstracción e intelectualidad.
Para el artista la obra individual o percibida en su conjunto se debe tratar como un espacio de recorrido no solo visual sino interpretativo, como si hablásemos de nuestra propia existencia.
De una amplia trayectoria profesional, Eduardo Martín del Pozo no cae en los tópicos de reinventarse a sí mismo, sino de revolucionarse continuamente.

Fernando BarrionuevoDirector de MECA Mediterráneo Centro ArtísticoCRIPPLED SYMMETRIES
Crippled Symmetries es un título tomado de la obra del compositor Morton Feldman (de quien decían el Schubert del siglo XX) que a su vez se basaba en la pintura de los abstractos americanos. Este uso de la simetría se debe a un intento de construir imágenes más directas y menos narrativas, de una presencia lo más inmediata posible, y de forma potente y contundente. Su leve "truncamiento", que nace por tratarse de una simetría no geométrica y precisa, sino orgánica, corporal, habla quizá de una imposibilidad de perfección o, más bien del propósito de hacer del error una virtud (el propio Feldman ya hablaba de su interés hacia las alfombras de los nómadas turcos, por sus numerosos errores*). Estas simetrías imperfectas, llenas de errores y fabricadas gracias a ellos, muestran la imposibilidad y, asimismo, el deseo (inalcanzable, como todo verdadero deseo) de belleza, de inmediatez y simultaneidad, y un intento de paralelismo música-imagen, cuyo objetivo es provocar en el espectador emociones de un modo similar a como lo hace la música.
El segundo bloque de obras, Surtidores, en la misma línea, pero en una clave más baja, son, por otro lado, un homenaje a Marcel Proust (“les jets d'eau” que tan frecuentemente aparecen en sus descripciones) y a Rodin (sus figuras, según señala el pintor, "parece que hubiesen salido del suelo a borbotones, como sale el petróleo, o algo así"), y enfatizan la estructura vertical y ascendente que suele darse en casi todo su trabajo, muy relacionado siempre con lo escenográfico y arquitectónico.
Como última parte de este bloque, tenemos la titulada AGAINST (OTRA VEZ SIN TÍTULO o CONTRA) haciendo referencia a las ideas de Gilles Deleuze sobre la afinidad fundamental entre la obra de arte y el acto de resistencia. Este ambiguo título señala, asimismo, la reiteración de los motivos y conceptos desarrollados en las series anteriores (OTRA VEZ).
Así pues, uno de los aspectos fundamentales sería la relación entre la imagen y la música, lo que lleva a realizar un tipo de pintura muy escenográfica, considerando el espacio escenográfico como lugar de encuentro entre música e imagen. Es, se debería decir, uno de los centros de este trabajo.

* “Así, por ejemplo, frente a las grandes alfombras clásicas persas, mostró una preferencia por las pequeñas alfombras turcas de los nómadas, cuyos modelos evolucionan simétricamente a nivel exclusivamente de detalle, más nunca a nivel de totalidad. A Feldman le irritaba y fascinaba a la vez el hecho de que a estos nómadas les fuera indiferente alcanzar resultados de mayor amplitud, algo definitivo. Más bien, estos tejedores de alfombras, y desde luego de forma plenamente consciente, cometían lo que hoy calificaríamos como fallos en la confección del tejido, los cuales desde luego no dejaban de tener consecuencias en la continuación del proceso. En estos pequeños fallos -tan ricos en consecuencias para la composición final como un todo de la alfombra-, Feldman vislumbró correspondencias con su propio trabajo; ellas parecían mostrar un camino hacia el interior de su propia intuición musical. (Dicho sea de pasada, Feldman veía la grandeza de Schubert precisamente en la peculiaridad de “sus errores”).”; Manfred Karallus: Résistance gegen die feist funktionierende Welt. Musiktexte, Heft 52, Januar 1994. Traducción: Fº. J. González-Velandia Gómez.

Eduardo Martín del Pozo
FICHA TÉCNICA
TÍTULO
CRIPPLED SYMMETRIES

ARTISTA
EDUARDO MARTÍN DEL POZO

MODALIDAD
PINTURA

DIRECCIÓN Y COMISARIADOFERNANDO BARRIONUEVO

DIRECCIÓN ADJUNTA
ROSA MUÑOZ

DISEÑO
rb producciones

LUGAR
MECA Mediterráneo Centro Artístico
Plaza Bendicho 1, 04002-ALMERÍA
Tfno: +34 950 244 431, Móvil: +34 620 938 515
@: info@artemeca.es; http://www.artemeca.es; http://limitearte.blogspot.com
Horario: de lunes a jueves de 18:00 a 21:00 h.

INAUGURACIÓN
Viernes 20 de noviembre a las 20:00 h.

DURACIÓN
Del 20 de noviembre al 10 de diciembre de 2009

COLABORAFUNDACIÓN UNICAJA